黄贯中心目中的五位结他英雄
如果要阿Paul列举出他最欣赏的五位结他英雄，究竟他会选择谁呢？「首先是Pink Floyd的David Gilmour，我对他的欣赏程度简直是无话可说，单单弹两粒音已好厉害；然后是Queen的Brain May，我觉得他是一位很有心灵的结他手。其实我会将David Gilmour和Brain May归纳为同一类型的结他手，他们的校声皆很有自己的风格与特质。此外则是John McLaughlin，我不知该怎样将他归类，他忽然可以很Flamemco，忽然可以很Jazz，忽然可以很实验，而他的弹奏手法亦当肮脏；还有Pat Metheny，他早期的弹奏风格很Jazz，但后来已到达近乎New Age与环境音乐的境界，是一位好肯尝试的结他手；最后我会选择Deep Purple的Ritchie Blackmore，他对我的影响很深，如果要我在他与Jimi Hendrix之间任取其一，委实难以取舍，那么我惟有拣Ritchie Blackmore吧，我早期的弹奏技巧甚受他影响，向他进行仿效，从他身上学习了许多。反而Jimi Hendrix的出色之处是乐队(The Jimi Hendrix Experience)之整体性，不独只有结他方面
话虽如此，Paul亦在「香港一定得」里亦弹奏了一段Hendrix的Voodoo Child作为音乐过门。「这是一个致敬，希望资深的摇滚乐迷可以听得会心微笑。
Pink Floyd——David Gilmour
什么造就出了令人难忘的吉他solo呢？主音吉他基本上是由音色、感觉和旋律组成的。虽然很难用技术语言来描述怎样的组合比例才是完美，但一般来说，人们－尤其是吉他手们－在判断一段solo是否美妙时是不存在任何问题的。因为当任何一部分都恰到好处的时候，一段伟大的吉他riff自会显得与众不同，很轻易地就带你走到了音乐灵魂的中心。Pink Floyd乐队的David Gilmour正是这样的一位吉他手，他用吉他渲染出了美妙得象奇迹一般的solo。除了他的吉他旋律以外，他还与Roger Waters共同创作了很多极为经典的歌曲，如"Comfortably Numb"和"Wish You Were Here"。
Pink Floyd的历史是从1965年开始的，虽然后来Gilmour的名字几乎成了Pink Floyd的同义词，但在最早乐队成立的时候，他并不是成员之一。
Gilmour来自于一个音乐家庭，"我父母唱歌很好，我哥哥会吹笛子，姐姐是拉小提琴的。"他说，"我一直都对音乐很感兴趣，起先是民谣和布鲁斯：Sonny Terry，Brownie McGhee，Leadbelly，Pete Seeger，还有其他很多人。后来就是Elvis Presley，还有他带来的摇滚乐。"
Gilmour在13岁才得到了他的第一把吉他，他开始通过收音机中的节目自学吉他。"我喜欢听一个叫'Radio Luxemburg'的频道，"他说，"我试着学会我喜欢的歌曲的每个部分，包括贝司、节奏吉他和主音吉他。这要花不少功夫，通常一首歌会在电台里经常播放，而我有时一个星期里要听上20多遍。"
他那时学的歌曲大多是当时很热门的－the Beatles, the Rolling Stones, Chuck Berry等等。他后来开始加入一些乐队。在其中一个成功的乐队"Jokers Wild"中，他弹了近三年。"我们很受欢迎，"Gilmour回忆说，"因为我们演奏很多当时很红的跳舞音乐，这是人们最喜欢听到的。"
后来就有了Pink Floyd乐队。在开始是Jokers Wild乐队为一个叫Pink Floyd Sound的乐队作了几次开场演出，这个乐队也是Gilmour的几个同校的朋友组建的，包括乐队的创建人Syd Barrett。Pink Floyd那时在伦敦地下音乐圈里已经小有名气了，他们义实验性的迷幻的声音和演出灯光吸引了一批崇拜者，并在地下音乐圈中建立了最嬉皮的乐队的名声。1967年，他们的两首歌曲"Around Layne"和"See Emily Play"成了英国的热门歌曲，并发行了专辑"Piper at the Gates of Dawn"，他们也开始成为了伦敦人们谈论的话题。在第一张专辑的成功之后，Syd Barrett对毒品的依赖和精神上的问题使他变得消沉，行踪诡秘让人难以琢磨，而且经常在舞台上暴躁得毁了乐队的演出。
在Barrett行踪不定的日子里，由于乐队无法进行正常的排练与演出，Gilmour作为乐队的朋友经常被其他成员邀请来帮忙，渐渐的他取代了Barrett的位置。1968年一月，Gilmour接到了一个让他难以忘怀的电话，他回忆说："他们打来了电话，问我想不想加入乐队。"一切进行地都非常顺利。Gilmour正式代替了原主唱兼吉他手－也是他的老朋友－Barrett，作为乐队的成员站在了观众面前。
Gilmour的加入使得Pink Floyd的音乐有了新的发展方向。他对六根弦的控制，以及天生的旋律感觉，铸造出的独特吉他声音成为了Pink Floyd的标志。
在完成了他们的第二张专辑"A Saucerful of Secrets"后，Pink Floyd进入了乐队的一个过渡期，从迷幻摇滚转变到了一种配以管弦乐、多层次、极为豪华的前卫声音。相继推出了专辑"Ummagumma"(1969)，"Atom Heart Mother"(1970)，电影原声专辑"Zabriskie Point"(1971)，最后他们以"Meddle"(1971)结束了这一过渡期。1971年后期，他们开始着手准备他们的杰作"Dark Side of the Moon"。这张专辑作品的轮廓是他们在六个星期中的JAM即兴中慢慢形成的，然后是经过了八个月的录音和制作，1973年完成。
在这张好得让世人震惊的专辑"Dark Side of the Moon"之后，Pink Floyd又开创了前所未有的壮观演出现场，并在录音室中继续他们的音乐实验。1975年推出了"Wish You Were Here"，1977年推出了"Animals"，到了1979年达到了他们音乐的顶峰，那就是"The Wall"。持续了4年之后，下一张专辑"The Final Cult"才推出。紧跟而来的是一连串的官司纠纷，以及Roger Waters的离队。当乐队稳定之后，作为灵魂舵手的Gilmour带领着乐队又出了两张专辑"A Momentary Lapse of Reason"(1987)和"Division Bell"(1994)。
在Pink Floyd乐队之外，Gilmour也出过两张个人专辑：1987年的"David Gilmour"和1984年的"About Face"。
在问到他如何形容自己的风格时，Gilmour说："我的风格是一锅粥，确实是这样。里面包括一些布鲁斯licks，还有我以前学过的好多很美的歌曲的旋律和solo。你只要一点点地积累，然后把它们都放到一起。每当你在学其他人的旋律的时候，不管是什么风格，那旋律都在你的脑子里留下印象。当你将来在写自己作品的时候，你以前所学的东西就会涌现出来。"
当问到他是否能将自己对吉他的经验总结成为格言式的书面语言时，Gilmour回答得很简单："我总结不出什么漂亮的语言，但是我觉得关于弹吉他用两句话就能全部概括：一.用你的感觉去弹。二.不要想其他任何事。"
David Gilmour使用的设备：
David Gilmour和Pink Floyd的前任吉他手Syd Barret一样，开始是用Fender的Telecaster，但很快他就改变了口味，成为了英国第一个使用Fender Stratocaster的摇滚吉他传奇人物，并用他的吉他创造出了标志性的声音。Gilmour的父母在他21岁生日的时候送他一把Tele，他弹了这把吉他一年（包括在专辑"Saucerful of Secrets"的录音中），后来他在乘坐飞机的时候丢失了。在正式加入Pink Floyd乐队之后，Gilmour买了一把定制的Stratocaster（这是他的第一把Strat）。在Pink Floyd的早年时间里，Gilmour几乎所有的时间都是弹Stratocaster的，他能够运用所有的表现方式来展现他的音乐风格，包括不同的音色档和摇把。他在极少数的时候还会用一把Lewis的24品电吉他来扩展音域，比如他在"Money"中solo的演奏，他偶尔还会使用一下Tele。Gilmour在他的吉他上用的是Gibson Sonomatic琴弦，标号是.010, .012, .016, .028, .038, 和.050。他的拨片是Herco的heavy规格的拨片。
David Gilmour 在Pink Floyd乐队早期的音箱设置是一个50瓦的Selmer的功放和一个4x12喇叭的音箱。1970年，他用100瓦的Hiwatt与WEM 4x12喇叭的组合找到了自己的音色。Hiwatt/WEM的组合在专辑"Meddle"和"Dark Side of the Moon"中表现非常出色。在录音室中，Gilmour有时会使用一个Fender Twin Reverb合体音箱，并在某些需要的时候加上两个12吋的喇叭。
David Gilmour的早期使用的效果器有：一个Binson Echorec磁带延时机（Barrett在乐队时也一直用这个设备），Dall*s-Arbiter Fuzzface效果器，Uni-Vibe踏板，Vox wah-wah踏板，一个DeArmond音量踏板，Leslie和Yamaha RA-200的旋转扬声器。1972年，他的效果器都固定在一个定制的箱子里面，设备也进行了升级，包括添加了第二个Binson Echorec和第二个Fuzzface，一个MXR Phase 90，一个Crybaby哇音踏板，一个Electro-Harmonix Electric Mistress飘忽效果器，Big Muff fuzz，一个Orange高低频调压器，还有一个自制的音色踏板。
另外，Gilmour在录音棚中还使用效果设备，象ADT（Automatic Double Tracking，Abbey Road录音棚当初专为the Beatles开发的一个录音处理器），还有其他一些颤音、回波、背景吉他等音色处理设备。他有时还会用到一个EMS Synthi Hi-Fi吉他综合处理器（听"Dark Side of the Moon"中的"Time"），在某些滑弦的地方还会用一个Fender双颈夏威夷式吉他。Gilmour在早期所用的箱琴很多样，70年代后他比较固定地使用Martin D-18和D-35两款琴，根据不同的歌曲，还有指弹和扫弦的需要而使用
Guitar.com网站采访Pink Floyd吉他手David Gilmour
David Gilmour在Pink Floyd乐队三十多年的演奏历程奠定了他成为电吉他界最受人尊敬，最具影响力，同时也是最持久的音乐家的地位。在1968年，David Gilmour以Pink Floyd乐队吉他手Syd Barrett替代者的身份加入了乐队??后者的作用那时已名存实亡。在加入乐队后的很短时间内，Gilmour凭着他优美而流畅的演奏风格向人们宣布了他是一名真正优秀的吉他手！?dP?íê?j=Mbbs.skipcn.comí???_àòè?Y
今天，David Gilmour的演奏和声音均已成为了Pink Floyd乐队的标志??从他在《 Dark Side Of The Moon》中的吟唱到《Comfortably Numb》中优美的独奏，都深刻的体现出了这一点。
David：我制造出来的声音来自我的手和手指所具有的弹奏方法以及我在音乐方面的一些探索心得。我不能弹得跟别人一样，而且我也从来没想过要这样去做，我只能按自己的方式来弹吉他。这就是我和其他吉他手的根本区别所在，这也是我被别人认可的原因吧。其实在很早的时候我可不是这个样子，那时我总是竭力去模仿别人，我曾经为我弹出来的声音很像Jimi,Clapton或Jeff Beck而感到洋洋自得。但是后来有一天，我突然发现我开始喜欢上我自己创造的声音了，我人生的转折点也许就是在那一刻吧！但是在那之前我确实接受不了我自己的风格，而且我对我模仿其他吉他大师演奏的效果感到很满意。
Guitar.com：您在Pink Floyd三十多年的演奏生涯中，是不是一直对您的演奏感到很惬意呢？
David：有时候我确实觉得我的演奏方式很爽，玩起来很舒服！其实这也取决于那一时刻的具体情况，在巡演途中的很多时候??特别是在完成了一次由200场小型演出构成的巡演之后或正在一次由100场演出所构成的巡演途中，如果我对我要弹的每一个乐句都熟透了而且对自己的演奏效果感到很满意的时候，我便会对自己所做的一切产生厌倦??我觉得这样重复下去没多少意思。但是到了第二天晚上，我会灵光一现的想到：“不，其实这样做很棒。”，然后，我就会发现一些需要进一步探索的新的音乐点子以及一些我没尝试过的弹奏方式。
Guitar.com：可事实上，你的声音和你的演奏风格几十年来从没变过。?dP?íê?j=Mbbs.skipcn.comí???_àòè?Y
David：我有我自己的风格，因为我有一双特殊的手??只有我才拥有这样一双手，尽管我的手指动起来不是那么快，有些很花哨的动作也许它们完成不了，可有很多地方它们做得比任何人都出色[笑]。我会一连几个月不停的练习吉他演奏，排练。但是在这个过程中我不会去刻意追求速度，我早已抛弃了这个习惯多年了。而且我对大量的练习感到厌烦，也许我的确应该花很多时间来练吉他，使自己的演奏手法有所突破，但我实在懒得去做，其实所有我能在吉他上想到的，或者思考出来的或想象出来的一切一切都大大的弥补了我在演奏技巧上的欠缺。如果这样的问题真的出现了：我掌握的演奏技巧不足以应付我要演奏的乐句时，我便会找一位能够完美演绎这部分音乐的人来替我弹奏。（RANDY：汗！有这样做大师的吗？）对我而言，这样做很方便，因为我的确弹不下来啊，我想，没有理由不让我去找一个能帮助我完成我弹不了的部分的人吧？
Guitar.com：那你招募过哪些临时的吉他手呢？
David：我们临时招募过很多临时的吉他手来帮我演奏。我曾一时兴让Tim Renwick来弹过一点，他还是个孩子的时候我就认识他了，那时他13岁。我还曾经让Michael Landau在我们的一次户外演出中为我们弹奏过《One Ship》这首歌曲的开始部分；Lee Ritenour在《The Wall》这张专辑的歌曲《One Of My Turns》中弹奏歌曲第二部分的节奏吉他。还有一位家伙，他的名字我想不起来了，他在《Is Anybody Out There》这首歌中弹了开始的古典吉他部分，因为我觉得我弹得不如他那么清晰，饱满。我都不记得是怎么认识Snowy White的了，他也是一个堪称伟大的吉他手，但我真的想不起是何人何时在何地向我推荐了他。
Guitar.com：你对新生代吉他手中那些光速吉他手感兴趣吗？
David：噢！很感兴趣，可他们是谁啊？[大笑]，其实我对那些只会追求速度的人不感冒，我对他们的演奏提不起任何兴趣。但是EddieVan Halen却是个例外??他是个很伟大而且非常睿智的吉他手。他的很多SOLO以及他为Michael Jackson的那首《Beat It》编写的独奏都是非常短小精悍的杰作，他不仅仅是弹得快，他能在激烈快速的弹奏中突然给你来点让你感觉非常舒适的旋律，然后他接下来的演奏能让你的思绪跟着一起离开你刚才所沉浸的由他的吉他声构造的世界。当你明白过来的时候，你会突然发现，他的音乐已经进入了一种新的境界里。我一直想玩出Eddie这种感觉，但是，就像我刚才说的，每个人都有着只属于他自己的特质，所以我也许做不到这一点。我心中一直以来的吉他英雄是Jeff Beck ，真的，他是这个世界上唯一能做到消除各种风格界限的人。Jeff能弹得飞快??那可是只有他才能达到的速度。但他却很少那样做，这一点对我影响很大。他的高明之处也正在于此：对于那些让自己感到多余的技巧，他宁可抛弃不用，也不放在演奏中显摆。我曾经和他一起JAM过一首歌，我记不清是在哪儿了，但我记得当时是我弹BASS，他弹吉他，那可真有点滑稽。
Guitar.com：你以前经常使用的琴是不是那把最早的Strat型的Fender呢？
David：对，但我以后只会偶尔用一下那把琴，它非常非常的漂亮，而且那把琴的做工也是绝顶的细致，弹起来十分舒服。总之，它让你觉得完美。我常常担心它是不是有碰坏，特别是在带着它外出的路上。事实上，我很不想带着我任何一把老琴外出，因为出门在外随时都有被偷的可能。我用的那些老Strat琴外型跟八十年代初期的Fender Stratcaster一样，而且它们都是1957年在加洲制造的，上面都有一两个小装饰物，与它们在一起的感觉是非常舒服的，绝大多数的时候，我都只用它们来做音乐，在录音室亦是如此，我总是对它们爱不释手。
Guitar.com：你在录音室使用一些什么样的设备呢？
David：我喜欢把我的吉他接入两个TWEED牌的低频音箱，至于我经常使用的效果器嘛，我喜欢用老式的失真踏板做失真控制；我用Big Muff这款FUZZ效果器演绎了很多歌曲??包括《Dark Side Of THE Moon》中的所有歌曲以及整个60年代所录的歌曲。我把我所有的效果器都安装在了一个定制的盒子里，而且我一直用一个踏板开关做为总控制开关来控制整个效果板的合成音色，当我不需要这些效果的时候我会用这个总控踏板切断吉他声与效果的连接，这样做只是为了将不加任何效果的原始吉他声展现出来。
Guitar.com：您今后有什么打算呢？
David：我21岁时加入了Pink Floyd，那时我从不想我49岁时要去干些什么，我那时候也不可能想好我49岁时要干的事情。很多黑人布鲁斯艺人八九十岁了依然活得挺结实，很幸运，这个世界没有规定我们，也没有人能告诉我们该做什么或者不该做什么??除了那些一贯支持我们的乐迷能做到这点之外。但此刻我们真的没想好下一步要做些什么，也许我们会彻底改变以前的风格吧，谁又知道呢？
John McLaughlin
有很多融合音乐不是“真的”融合音乐，如果有一个乐手被强迫去演奏某一种音乐，或是他认为必须以不同的节拍去达成流行的目的，基本上就违反了音乐的精神，也违背了爵士乐的精神，融合爵士乐必须真正发自内心，否则一切都是徒具形式而已，目前就存在很多这种“假音乐”（Pseudo-Music）…
1969年爵士乐大师Miles Davis推出两张划时代的作品《In A Silent Way》及《Bitches Brew》，引导爵士乐走向另一新的领域。这种新的音乐风格于70年代加以发展延伸之后，形成所谓的融合爵士音乐（Fusion）。而主导这种乐风的音乐团体则大部份出自于上述两张作品中的乐手，较著名的有由Joe Zawinel（键盘手）领导的Weather Report，Chick Corea的Return to Forever，Tony Williams的Lifetime，Larry Coryell的Eleventh House，Gary Burton四重奏等。其中有一个乐手，不但将印度音乐带进爵士音乐中，更将其文化、宗教精神与爵士乐完美结合在一起，创造出一种强而有力、优雅兼具正义与悲悯情怀的乐风，包容了蓝调、Bebop，自由乐派等爵士乐素材，为融合爵士乐立下了一个标准典范，那就是堪称融合爵士吉他之父的John McLaughlin！
身世与音乐背景
John McLaughlin，1942年1月4日出生于英国约克郡（Yorkshire）的一个小村子里，父亲是工程师，母亲是业余小提琴演奏家，从小就受到古典音乐的熏陶（贝多芬，巴哈，布拉姆斯）。九岁的时候，开始学习钢琴，稍后，全家搬移至靠近苏格兰边界的诺森伯兰（Northumberland），每当夏天来临时，苏格兰风笛乐队就会来演奏，以六、七支风笛搭配三、四个鼓手，优越的节奏性深深的影响小时候的McLaughlin。十岁时，英国掀起了蓝调革新风潮，以地下化的方式开始兴起于校园学生之间，McLaughlin的一个哥哥有一把吉他，并教了他三个和弦。自此之后，命运似乎就注定了一个伟大吉他手的诞生。McLaughlin疯狂的爱上吉他，同时开始聆听Muddy Waters、Big Bill Broonzy、Leadbelly等早期蓝调大师的唱片。十五岁时，他带着一把电吉他及一个小扩大机到附近的爵士乐俱乐部，要求加入乐团一起演奏，结果是心有余力不足，胆识是够了，经验与技巧却不足，于是他了解到自己毕竟还是有很多的东西要学习。之后，他开始听吉他大师Django Reinhardt及Tal Farlow的音乐（这两个乐手据称是McLaughlin的吉他英雄！），也因此他同时喜欢上小提琴的演奏（Django Reinhardt与小提琴手Stephane Grappelli曾经合作很长的一段时间），在往后的作品中，搭配小提琴演出。十六岁的McLaughlin终于踏出职业生涯的第一步，加入一个名为Professors of Ragtime 的传统爵士乐团，随后，McLaughlin跟着乐团到达英国爵士乐的中心-伦敦。当时伦敦有两家较著名的俱乐部-Marquee及Flamingo，他在这里认识了很多乐手，彼此互相观摩、学习，同时先后加入了Graham Bond Organization及Alexis Korner的乐团，演奏Rhythm & Blues。同时期的美国爵士乐坛正兴起一股由Miles Davis所领导的Cool Jazz，他当然非常向往Miles的创新精神，也以此来自我期许。不过在苦无机会与历练也不够的情况下，他还是继续演奏蓝调，毕竟在他所演奏的蓝调之中，还是包含了许多真正的爵士乐独奏，而不只是单纯的老式蓝调而已。与Graham Bond的结识开敨了他对于文化、宗教精神内在层面的探索及追寻，当时Graham介绍他阅读一本有关古埃及文化的书，结果他读了感到非常有兴趣。之后，他又发现一本由印度人Ramana Mahavshi写的书，才开始了解到印度文化的渊源有如宝藏般等待人们去挖掘。同时期McLaughlin一位叫Jim Sullivan（吉他手）的好朋友，介绍他听一张印度西塔琴演奏家Ravi Shankar的音乐。McLaughlin在听过之后并不十分了解其中的内涵，但他在唱片封套上读到与Ramana书中所写的部份内容是一样的，于是确定他所听到香卡音乐，必定与Ramana书中的智能是相关连的，必须进一步去聆听，才能了解其中的关连性。接下来的时段，似乎是他一生中最潦倒的过渡时期，为了生活，不得不屈就于演奏流行音乐，为歌星如汤姆琼斯、英格伯．亨伯定克等伴奏，这种毫无创意的音乐生活令他无法忍受，甚至几乎到达疯狂的边缘。终于在某天早上醒来之后，他下定决心停止这一切，开车离开伦敦，前往英国北方，母亲的住处，思考进一步的发展。
音乐生涯与作品
离开伦敦之后，McLaughlin决定前往欧陆，寻求自己喜欢演奏的音乐，第一个机会来自于德国的Gunther Hampel，他与其合作演奏自由爵士乐约半年的时间，这段经历对他而言当然也是个磨练的机会，也因此他认为自由爵士乐基本上易陷入自我放任的地步。以演奏自由爵士乐而言，除了必须了解旋律、和声及其它一切音乐要素之外，还必须是个已开发的人类才不至于自我放任。而放任的结果是虚幻的，并不是真正的在作音乐，由此可见他对音乐的态度非常严谨。与Gunther合作的同时，他在英国与贝斯手Dave Holland及鼓手Tony Oxley合组了个乐团。其中Dave Holland于1968年离开英国，加入著名的Miles Davis乐团。以一个英国乐手的身份，能够受到Miles的欣赏，进而受邀合作，在当时而言，确是英国爵士乐界的一大盛事！
灌录个人首张专辑
1969年初，McLaughlin与Tony Oxley、John Surman（萨克斯风手）、Brian Odges（贝斯手）合作，录制了个人首张专辑《Extrapolation》。据唱片背面的说明，这个字的意义解释为“过去与现在汇集而成为未来”（由唱片正面的图案设计，也可以体会这个意思）。事实上，McLaughlin在过去所追求的宗教哲学及藉由内省所激发出来的能量，在这张专辑中表现无遗，精确且力道十足，到目前为止，这张作品仍被认为是少数欧洲爵士乐的经典名作之一。尤其是对后来的爵士吉他演奏家有很大的影响！
与大师的邂逅及合作
1968年11月，也就在《Extrapolation》录制完成的前两个月，他接到一通由前团员Dave Holland从美国打来的电话。在电话中Dave介绍汤尼．威廉斯（当时为Miles乐团的鼓手）与他认识，汤尼告诉他说，他听过一卷他所演奏的录音带，希望他加入预备组成的新乐团。McLaughlin当场告诉汤尼只要准备妥当，再给一通电话就可以了。1969年初，汤尼再度打电话给他，于是他在1969年2月的第一个星期离开伦敦，前往纽约，发展另一个新的音乐生涯。到达纽约之后的第二天，汤尼刚好有事要去找Miles Davis，McLaughlin随同前往。Miles知道汤尼打算与McLaughlin另组新团，但他很欣赏汤尼，不希望他离开，又恰巧隔天就有个录音，Miles于是也邀请McLaughlin也一同参加，希望藉由他的参与，留住汤兀牛，这一点对McLaughlin而言，当然是感到非常之荣幸，但对汤尼而言，可就不太愉快了，好象McLaughlin成为他与Miles之间相互争取的对象。隔天McLaughlin到录音室去，一下子看到了美国爵士乐界大名鼎鼎的乐手，如Joe Zawinul、Herbie Hancock、Wayne Shorter、Larry Young（键盘手）等，心情之紧张实无法形容，也只听天由命了。Miles给了他一首由Zawinul所写的曲子，并要他弹奏其中的和弦，结果他一时之间竟不知所措，因为光是谱上的和弦就要花上一段时间去了解，根本不可能马上弹奏。Miles指示他，就弹一个和弦即可。刹那间，大家都在等他的第一个和弦出现，他也只好硬着头皮弹了下去！之后都是凭直觉去演奏。然后，由Wayne带出主旋律，Miles再加入演奏。整首曲子完成之后，重新放出来试听时，他出乎意料的发现，音乐竟是如此的优美，不得不佩服Miles敏锐的音乐素养及指挥能力。录音完成之后，Miles再度邀请他加入其乐团，他在几经思考之后，认为加入迈尔乐团较没有机会演奏自己写的曲子，反而与汤尼的合作能够发挥所长，基于这个想法，他婉拒了Miles！（以Miles当时的知名程度而言，恐怕是没有任何乐手可以拒绝他的）。
Lifetime时期
1969年3月，由汤尼．威廉斯、John McLaughlin、Larry Young所组成的Lifetime乐团正式成立，首张专辑《Emergency》也在三月底录制完成。可惜的是当时的录音师没有把录音及混音做好，以至于当时八轨的录音全部扭曲破音，就连封面都照成双影。McLaughlin事后回忆说："…我于是了解他们（指唱片公司）对音乐及乐手没有一点基本的尊敬，真的，我感到非常震惊…"。这张作品于1991年由宝丽金唱片公司以电子技术重新处理出版，其CD封面依旧，音乐则勉强堪听。John McLaughlin在美国的首张唱片（前面所提与Miles的《In a Silent Way》不算在内）就这样毁了，Lifetime后来（1970年）还录了一张《Turn It Over》专辑，但终究达不到第一张作品的水准，令人婉惜！除此之外，McLaughlin于1970年为Douglas唱片公司出了两张唱片-《Devotion》及《My Goal's Beyond》。离谱的是，《Devotion》遭遇到与《Emergency》类似的命运，于混音的时候被任意删改，且连同为后世立下吉他独奏经典名作的《My Goal's Beyond》算在内，唱片公司只付了他两仟元美金的酬劳，极尽剥削之能事！他回忆道：：“…我被出卖了，人们在我非常艰困的时候，夺取我的金钱…”，这也是后来他于1975年重返欧洲，居住于法国的主要原因。因为他认为在欧洲及日本，爵士乐较受人们的了解与尊重，被视为一种艺术，而美国则视爵士乐为一种商品，任意摆布。
组织自己的乐团
1971年初，他离开Lifetime之后，Miles Davis建议他应该组一个属于自己的乐团，于是他开始筹组团员，首先找到鼓手Billy Cobham，然后要找一位小提琴手，他想到了法国的小提琴家Jean-Luc Ponty，但Ponty不愿意到美国（两年后他还是到了美国），他只好找到了另一个小提琴手Jerry Goodman。之后，有一天贝斯手Miroslav Vitous（捷克人）打电话给McLaughlin，跟他说Joe Zawinul及Wayne Shorter（萨克斯风手）要组一个乐团叫Weather Report，希望他能够加入他们的组合。McLaughlin告诉他，自己也有新乐团要组成，Miroslav告诉他若有需要键盘手，可以找同样来自捷克的Jan Hammer，最后，加上McLaughlin以前在英国常合作的贝士手Rick Laird，乐团终于成立。McLaughlin在到达纽约的时候，为保持身心的平衡及对于印度宗教哲学思想一贯的追求，每天都花小部份时间做瑜珈运动，并受教于几位印度老师。有一天拉里．科里尔的经理介绍他认识一位印度大师Sri Chinmoy，McLaughlin在几次受教之后，成为忠实的信徒，新组成的乐团也经由Chinmoy命名为Mahavishnu Orchestra（天赐怜悯，力量与正义的意思）。
Mahavishnu与Shakti乐团
Mahavishnu Orchestra于1971年推出了第一张专辑《The Inner Mounting Flame》，以复杂的拍子（如13/8，7/4）及和弦为歌曲架构，鼓手强而有力的脉动，配合McLaughlin以类似摇滚吉他手Jimi Hendrix高能量的独奏及爵士乐风格的背景衬托之下，形成一种新的乐风，也为后世融合爵士乐立下了模板，堪称经典名作！1972年录制的《Birds Of Fire》及1973年的《Between Nothingness》承袭了同样的风格。可惜的是，正当McLaughlin以印度大师Sir Chinmoy的内在精神为导向，带领乐团走向高峰的时候，其团员并不能完全接受这种精神，尤其是Jan Hammer及Jerry Goodman，排斥的心态愈见明显，终至到达不能沟通的地步。McLaughlin于意识到，得来不易的成功马上就要烟消云散了！
Mahavishnu终于在1973年底解散，1974年他另组了第二代的Mahavishnu Orchestra，其团员包含有著名的小提琴手庞帝及键盘手兼主唱Gayle Moran，于1975年解散前，推出了两张作品，第一张是《Visions of the Emerald Beyond》，这张是他自称最满意的作品之一，另一张则是由Michael Tilson Thomas指挥伦敦交响乐团与他合作的《Apocalypse》。早在70年初，McLaughlin就开始学习印度音乐的歌唱法及事师印度西塔琴大师香卡，73年，他与印度乐手L.Shankar（小提琴手）、Zakir Hussein（Tabla，印度鼓）及Raghavan（Mridangam，印度南方之敲击乐器）合作，当第二代的Mahavishnu乐团结束之后（1975年），他 专心致力于纯Acoustic（不插电的乐器）音乐的演奏，与上述的印度乐手组成Shakti乐团（1975），Shakti共推出三张专辑，包括《Shakti》（1975）、《A Handful of Beauty》（1976）与《Natural Elements》（1977），新的风格依然是力道十足，只不过这次是以低分贝的方式表达。不幸的是，当McLaughlin的创作力再度激发的时候，所属的哥伦比亚唱片公司意突然叫停，原因是不插电的音乐较不赚钱；而事实上Shakti乐团的卖座并不差，只不过是没有像其它摇滚乐赚的这么多罢了，且当初在签定合约的时候，也言明他可以推出任何数量的不插电音乐，显然这又是一个扼杀音乐创作与不尊重乐手的例子！
多彩丰盛的音乐创作
Shakti结束后，McLaughlin再度回到西方音乐，不可讳言的，西方爵士乐是他的根，经过两年吃素的日子之后，他在1978年推出《Johnny McLaughlin-Electric Guitarist》专辑，聚集了几乎所有以前在Mahavishnu乐团中的乐手，大家忘记以前的种种，齐聚一堂，纯为音乐而演奏，其中曲子如New youk On My Nind，献给萨克斯风大师John Coltrane，另外，与前Lifetime乐团鼓手汤尼．威廉斯、贝士手Jack Bruce（著名的摇滚乐团Cream之贝斯手）合作之Are You The One? Are You The One?等，都是非常优秀的作品，值得一听再听！1978年之后，在一个相当短时间中，John另外组了一个乐团-One Truth Band，然后又转向不插电吉他的演奏，于70年代末及80年代初分别与吉他手Paco De Lucia、Larry Coryell或De Lucia、Al Di Meola吉他三重奏演出，另与法国吉他手Christian Escoude以二重奏弹奏，其中以81年现场录制的《Friday Night In San Francisco》最为精彩。1984年，他再度组织第三代的Mahavishnu乐团，其中除了鼓手Billy Cobham及印度乐手Zakir Hussein之外，都是属于年轻一代的好手，如Bill Evans（萨克斯风）、Mitchel Forman（键盘手）、Jonas Hellborg（贝士手）等，1984年由华纳公司推出《Mahavishnu》专辑，他首度使用数字合成计算机介位电吉他，创迼多重的音乐色彩，开拓了音乐表达的空间（以笔者聆听的感想是很头痛！因为那些音色是由吉他弹奏出来的已经不容易区分）。1989年11月，他与Kai Eckhardt（贝斯手）及Trilok Gurtu（敲击乐手，前Oregon乐团成员）于英国皇家音乐厅现场录制了《Live At The Royal Festival Hall》专辑，作品风格显然己远离印度音乐的影响，取而代之的是融合了以前各种乐风而偏向于现代爵士乐，包含有Miles Davis的曲子Blue In Green，其中尤以Florianapolis及Mother Tongues最为精彩！19后记
德国爵士乐作家Joachim E. Berendt在《The Jazz Book》一书中访问到McLaughlin，问及他对于融合爵士乐有什么看法？他回答说：《我认为有很多融合音乐不是“真的”融合音乐，如果有一个乐手被强迫去演奏某一种音乐，或是他认为必须以不同的节拍去达成流行的目的，基本上就违反了音乐的精神，也违背了爵士乐的精神…，融合爵士乐必须真正发自内心，否则一切都是徒具形式而已，目前就存在很多这种“假音乐”（Pseudo-Music）…》McLaughlin的话真是语重心长，一针见血，尤其在今日功利主义挂帅，凡事短视近利，不重内涵与自省的环境中，他对于音乐创作严谨的态度及追求真善美的精神，值得学习与肯定并由衷的钦佩！！
91年推出的《Que Alegria》专辑仍然以Eckhardt及Gurtu为班底，技巧与创意兼备，也是一张不可多得的佳作。
Queen的吉他手Brian May
全名：Brian Harold May（布赖恩·哈罗德·梅）
社会地位：CBE勋爵
出生日期：1947年7月19日
出生地点：伦敦的汉普顿
家庭成员：Chrissy Mullen （第一任妻子） 三个孩子Jimmy (born June 15th 1978) Louisa (born May 22nd 1981)Emily Ruth (born February 17th 1987) Anita Dobson（第二任妻子）
1980年：在这一年的一次采访中MAY 承认自己得了抑郁症甚至一度使他产生自杀的倾向
之前的职业：天文学
头发颜色：深棕色
眼睛的颜色：浅褐色
身高：188cm
学位：物理与数学双学士
最尊敬的吉他手：Jeff Beck
嗜好：天文学，阅读和写作，收集立体照片
讨厌的事情：吸烟
喜欢的书：赫尔曼黑塞的作品(Hermann Hesse′s works )
喜爱的乐队：The Beatles
喜爱的歌曲: Jealous Guy (John Lennon)
喜爱食物：素食
喜爱的饮品：Guinness
自己制作的乐器： Red Special(吉他)
首先接触到的乐器：钢琴（ 5岁） ukulele （ 6岁） 吉他（ 7岁时）Red Special （ 16岁）
风格：Hard rock（硬摇滚） glam rock（迷惑摇滚） pop rock（流行摇滚） heavy metal progressive rock（重金属前卫摇滚）
首先接触到的乐器： piano (at age 5), ukulele (at age 6), acoustic guitar (at age 7), Red Special (at age 16)
会使用的乐器：Guitar, banjolele, bass, keyboards, piano, vocals, organ, synthesizer, harp, ukulele, drums（吉他， banjolele ，贝司，键盘，钢琴，声乐，器官，合成，竖琴， ukulele ，鼓）
合作伙伴：Queen, Queen + Paul
演绎生涯：1964– 现在
Brian May（以下简称May）的这把琴叫Red Special，是May和他老爹于1963年8月造的，当时他家的世交搞装修之类的，打算把壁炉框给拆下来扔掉，May和他老爹就要来了，以此为材料做了 这把举世无双的 Red Special,那壁炉框是橡木，属于非常硬的木材，通常用来做酒桶或者船甲板，加上烟熏火燎200多年了，干燥的非常好啊，所以加工起来非常吃力，不过May父子也是死磕型的选手….据May说琴颈上有两个虫眼。
指板也是橡木，刷了黑漆，24品，red special是一把带有零品的琴，也就是琴枕下边还有一品。May想用独特的方法标记品位，7品19品用两个点，12品和24品用3个点，镶嵌材质是蚶子壳，当然他不是买来几个蚶子，而是把家里的蚶子壳纽扣打磨了
琴体用相木木工板加上桃花心木贴面构成，看起来像实心电吉他，实际上是空心的。最后用Rustin's Plastic牌子的木器漆上光。
拾音器，本来May自己制作了一套拾音器，但对推弦时的音色很不满意，后来May买了三块Burns Tri-sonic拾音器，并对拾音器进行了重新绕线，绕线方向和磁钢极性都和原来相反，并用浸泡在环氧树脂中密封以减少颤噪。
琴桥颤音系统是用一块硬钢切成v型，然后用两个从摩托车上拆下来的弹簧构成，弹簧的张力可以通过贯穿弹簧的两根螺丝调节，2个调节口在琴尾背带扣附近，琴桥上装有滑轮，以便减少摩擦力，这样在使用颤音后琴弦能顺滑的归位。摇杆是从自行车货架上拆下来的铁杆加了个塑料冒（一个毛线针保护帽）
起初，这把吉他带有一个内置失真电路，是通过改装60年代中期生产的VOX失真效果器，但不久之后May发现他更喜欢vox ac30的声音，所以他就把这套电路拆除了，并用绝缘胶带把旋钮位置的孔折了起来，后来用一个贝壳镶嵌遮挡。
May基本上一直用这把琴，只有极个别情况会用复制品，比如在拍摄We will Rock you 的音乐电视的时候，他不想让RED special暴露在风雪中，就用了一把复制品。复制品是他自己的公司（Brian May Guitar）生产的。
复制品
Greg Fryer，来自澳洲的制琴师，复制了三把red special，在may的许可下，Fryer对琴进行了X光透视，并对各个部位进行了精细的测量，根据获得的数据建立了CAD CAM模型。最后造出三把琴，其中两把被May收藏，另外一把使用了不同的木头，音色更加具有攻击性，Fryer自己留着了。Andrew Guyton，一名英国的制琴师做了50把复制品，其中有10把为绿色。
现在以下公司是官方授权量产RED special
Brian May Guitars （May自己的制琴）
RS Guitars (手工制作，位于美国亚利桑那)
KZ GuitarWorks (日本著名制琴师Kazutaka Ijuin手工制作).
修复
长达30年的不间断使用和巡回演出，Red special已经伤痕累累，1998年May终于决定对琴进行一次翻修，和Fryer一道，对琴的背板面板进行了修理，坑坑洼洼，划痕都修补妥当，Fryer用Rustin’s plasic对指板和琴体进行了重新油漆，品位标记也更换了。并对电路，拾音器外壳（因为May使用6分钱硬币作为拨片，所以拾音器封盖已经划的不成样子）插口面板进行了修理更换，并添加了拨片护板。
特色：
拾音器是串联的，而不是并联的，所以当同时使用一个以上拾音器时，低音输出更大，高音则减少，如果三个同时使用，整体输出就会变为三倍。
每个拾音器有单独的开关，这样可以使用很多非常特别的搭配，比如同时使用琴颈和琴桥拾音器。
每个拾音器带有相位开关，如果使用多个拾音器，将其中的一个或两个设置成反向，中频和高频就会得到加强，低频会被削弱，产生非常纤细的音色。
可见Red special 设计非常奇特，可能因为May本身不是制琴师，是个爱琢磨爱尝试的DIYer，May本人是个天体物理学博士，毕业于伦敦皇家学院，主修星级尘埃的反光现象和太阳轨道品面的灰尘飞行速度 和别人合作出版过《黄道带尘埃微粒运动研究》，目前是利物浦 John Morres大学的荣誉校长。（简直难以置信，May是个科学家）
Pat Metheny
当周围的世界变得越来越都市化的时候，爱乐者未免感叹，音乐中的泥土芬芳已荡然无存。而当这一切已无法被遏制时，有些艺术家变得越来越关注适合这个时代的生活方式，他们不会因情感的物化而变得愤世嫉俗，也不会默默无语地苦守着辉煌时代的再现。他们的音乐在探索科技时代中人的生存状态；在钢筋水泥与高速公路间寻找人的本质与灵性；在一个一切都已被科学证明了的狭小空间里寻找着无限，因为，爵士乐永远是一种轻松的音乐。吉他手Pat Metheny就是这样一位现代爵士乐手。
与传统爵士乐迷相比，喜欢Pat Metheny的人会显得很时尚。一方面，他的音乐中电子化的东西很多，而且旋律性很强、编排严密；但另一方面，你又会从中听到不少意想不到的东西。Pat Metheny的音乐就好像是一迭毫无关联的照片拼贴在一起，你无法知道下一次它们的排列方式。
Pat Metheny于1954年8月12日出生在美国密苏里州的堪萨斯城。他最早学习的乐器是圆号，他的哥哥Mike Metheny是位小号手。到了十三岁时他才接触到吉他，进步神速。不到20岁时，他就在迈阿密大学和伯克利音乐学院教授吉他课程了。1974年，他与Paul Bley和Jaco Pastorius合作录制了首张专辑。之后，Pat Metheny加入了作曲家Gary Burton的乐队，并为他录制了3张专辑。在Gary Burton的演奏组的三年对Pat Metheny的影响颇深，他认识了键盘手 Lyle Mays。78年，他与Mays，贝司手Mark Egan和鼓手Dan Gottlieb共同组建了自己的乐队。在很短的时间内，他就成为了ECM公司顶尖艺人和最受欢迎的爵士乐手，无论走到哪里，他的演出票都会被抢购一空。
80年代以后，Pat Metheny成为爵士乐坛举足轻重的人物之一，他的意义已超越了一个单纯吉他手的范围，他在爵士乐与其他类型的音乐间搭起了一道桥梁。60年代末，Miles Davis把摇滚乐引入爵士乐，开创了“Fusion”(融合爵士乐)的先河。今天，虽然人们也把Pat Metheny的音乐列入“Fusion”的范畴，但他同Miles Davis之间已有天壤之别，Miles Davis的音乐是对远古图腾时代的回忆，而Pat Metheny却是向未来发出的召唤。Pat Metheny的“融合音乐”在范围上更加广泛，除了有摇滚乐外，还有民谣、乡村、流行、电子乐、世界音乐，甚至“新世纪”音乐的成份，从这一点看，Pat Metheny与70年代的一支“Fusion”超级组合“Weather Report”(天气预报乐队)有着许多共通之处。对于80年代以后成长的新一代“Fusion”乐手而言，Pat Metheny是他们观念上的导师。
在许多爵士乐迷的心目中，Pat Metheny可以排入爵士史上最有影响力的大师的行列，而其中，以吉他手身份出现的人并不会多，唯一能与他抗衡的恐怕也只有John Mclanghlin。Pat Metheny的吉他技法最早受到了Wes Montgomery的影响，而在他慢慢形成个人风格时，乡村音乐与Ornette Coleman的自由爵士乐也起到了不可估量的作用，Pat Metheny拥有良好的音乐鉴赏品味，这使得他能够博采众长，同时，各种类型的音乐在他的调配下又会显得十分均衡。从思想性看，Pat Metheny的音乐很容易被当今的青年人理解。
吉他一向是布鲁斯乐手最为称心的乐器，但Pat Metheny的音乐里却很少有布鲁斯的根源，从爵士史上看，吉他最初在爵士乐队中充当的是节奏乐器的角色，而即使象Charlie Christian、Wes Montgomery这样具有开拓性的天才乐手也仅是在极小的领域里被奉为大师，这主要原因是由于吉他在构造以及音乐等方面的缺陷所致，Pat Metheny很幸运地赶上了一个录音技术与合成器飞速发展的时代，这使得Pat Metheny能够随意地拓展想象空间，也许，这是他成功的奥秘之一。
Pat Metheny的音乐历程伴随着十数张专辑的发表，了解这些专辑是了解Pat Metheny音乐人生的最佳途径。他是个很能抓住潮流的演奏者，但他从来不去附庸流行，他的音乐总是在大跨度地变化着，又总是很容易的被人接受。从他与Pat Metheny Group录制的所有专辑中，我们很难给他的音乐进行归类，是民谣-爵士？是轻音乐？我看我们还是不要旺费心思了，就任由Pat Metheny把爵士乐的定义边界拉来拉去吧。
除了与乐队Pat Metheny Group合作以外，Metheny的一些个人发展也是相当有趣的，总是让人摸不透他的音乐发展路线。他与萨克斯演奏家Dewey Redman和Mike Brecker，鼓手Jack DeJohnette，贝司手Charlie Haden一起组成一个后Bop五重奏小组，在1980年录制了专辑《80/81》；1983年，他又合集Charlie Haden 和 Billy Higgins组成三重奏演奏组；两年后他与Ornette Coleman一起录制了非常出色的专辑《Song X》。Metheny其他的一些乐队之外的合作还包括：与Sonny Rollins一起录音，1990年与Herbie Hancock组成四重奏组巡回演出，与Dave Holland 和 Roy Haynes组成三重奏录制专辑，与Joshua Redman协手巡演等。
Pat Metheny不断地创新，没有人能够预知他音乐风格会如何变化，只有等待他给我们再次带来惊喜。
Ritchie Blackmore
提到英国的Ritchie Blackmore，就意味着得再次翻看Deep Purple(深紫)与Rainbow(彩虹)的历史。1968年Blackmore和朋友一起组建了深紫，在此期间奠定了其无人替代的新古典(前卫)吉它大师地位，1975年离队组建彩虹，1993年更名为Ritchie Blackmore's Rainbow，1997年和他的妻子Candice Night组成的一个夫妻音乐组合，虽然他们的年龄相差了26岁，可是音乐确丝毫不影响这些。Blackmore夫妻档在New Age与World Music的音乐领域已颇富盛名，成为少数能够成功跨足Rock/New Age/World Music的艺人
Deep Purple
“深紫”乐队的美学思想是建立在英国对布鲁斯音乐进行改良的观念之上，通过大功率的扩音设备表达出来。 乐队1968年成立于伦敦，初时名为“迂回”在进行北欧巡演后，乐队更名为“深紫”。 1968年发表专辑《Shades of Deep Purple》，其中翻唱了许多著名歌曲。 1969年出版了两张专辑《The Book og Taliesyn》和《Deep Purple》。 1969年7月Lan Gillan和Roger Glover加入，他们与伦敦爱乐乐团合作录制了专辑《Loncerto for Group and Orchestra》，同年9月在皇家艾伯特大厅演出，该专辑为令人震惊的作品，并被广泛接受。 1970年乐队发表硬摇滚风格的专辑《Deep Purple in Rock》，产生了名曲1971年的专辑《Fireball》以歌曲《The Mule》而闻名，其中迷幻的风琴与狂暴的鼓相得益彰。 1972年的专辑《Machine Head》产生了名曲《Highway star》和《smoke on the water》。 1972年乐队的日本之行产生了双张现场专辑《Made in Japen》。 1973年出版《Who Do We Think We Are?》，同年乐队破裂，成员只剩下Lord Paice和Blackmore。David Coverdale和Glenn hughes加入后，1974年乐队出版《Burn》，专辑充满布鲁斯音色和朋克元素。 1974年Blackmore离队组建“彩虹”乐队。Tommy Bolin加入，1975年出版专辑《Come Taste the Band》。 1976年6月，在举行英国告别巡演后，“深紫”临时解散。 1984年Blackmore.Gillan.Glover.Lord和Paice重组“深紫”，但乐队作品毫无进步。 1990年出版专辑《Slaves & Masters》之后，gillan第三次加入"深紫"。 1993年Blackmore离队重组“彩虹”，“深紫”招募了Steve More，于是1996年发表专辑《Purpendicular》，并进行了巡演。 2003年出版最新专辑《Bananas》，并开始世界巡回演唱会的举行。
Rainbow
1974年Blackmore离开Deep Purple并组建了另一支在摇滚乐历史上拥有显赫地位的乐队 —— Rainbow。Ritchie Blackmore和极具魅力的灵魂人物Ronnie James Dio（主唱）、Mickey Lee Soule（键盘手）、Craig Gruber（贝司手）、Gary Driscoll（鼓手）组建了Rainbow乐队，并迅速成为七十年代较成功的金属乐队。Rainbow乐队接连发行了《Ritchie Blackmore‘s Rainbow》（1975）、《Rainbow Rising》（1976）等不错的专辑，而失去Blackmore的Deep Purple则很快为乐迷所遗忘。七十年代末，朋克兴起，重金属发展一度被抑制。但Rainbow的表现还不错，尽管乐队成员一再更换，但他们始终坚持自己的风格并最终靠乐队第三张专辑《Long Live Rock ‘n’ Roll》（1978）获得商业上的成功。由于乐队1978年的专辑《Long Live Rock ‘n’ Roll》取得的巨大成功，使得Rainbow在进入八十年代以后仍然能够继续战斗在重金属的第一线。实际上Rainbow乐队除了Ritchie Blackmore之外，其他乐手换得非常频繁，几乎是每张专辑都是一套新的阵容，所以到了1984年Ritchie Blackmore重返Deep Purple乐队的时候，Rainbow乐队也就解散了。1993年，Ritchie Blackmore再次离开Deep Purple乐队后，短暂重组了Rainbow乐队，名称改回了最初的Ritchie Blackmore’s Rainbow，并在1995年发行了一张《Stranger in Us All》专辑。Candice Night参与了这张专辑歌曲的创作和背景和声。
Blackmore's Night
传奇式乐队Deep Purple和Rainbow的英国吉他手Ritchie Blackmore和他的妻子Candice Night组成的夫妻乐队 Blackmore's Night，唤醒了多少人的耳朵。神仙眷侣虽然年岁相差达26岁，但这并不影响他们对音乐的理解一致。Ritchie Blackmore从hard rock中抽身而和妻子共同步入美妙的world music, Renaissance, new age, folk领域，源自于Ritchie Blackmore的文艺复兴（Renaissance）情结。Blackmore’s Night的最终组成，跟Blackmore以前的两个乐队是密不可分的。1993年Deep Purple的专辑《The Battle Rages On》成绩相当糟糕，Blackmore伤心之余退出了DeepPurple。随后在1995年的《Stranger in Us All》中，Blackmore运用了高科技电子乐使得Rainbow再次充满活力。这时，Night已经参与到了四首歌的歌词创作中来。Blackmore其实不想再把这些作品称之为Rainbow的作品，然而唱片公司的上层却固执的坚持只有使用Rainbow的乐团名字，唱片才可能在市场上获得更大的销售量。在Strangerin Us All之后，文艺复兴情结再次加深，Blackmore开始在家大量地练习这些多年来他深爱的但一直没有真正练习过的中世纪旋律，并下决心出这样的专辑，而Night也开始在旁边伴着唱起来。这些天真无邪而又不正规的即兴动机正是Blackmore’s Night的萌芽。
World Music、Folk、与中世纪文艺复兴色彩的音乐所影响，使用的乐器有吉他、键盘、小提琴、铃鼓、曼陀铃、手风琴以及一便士哨子等，如此丰富的音乐背景与音乐配器，再加上Blackmore的吉他功力与Night的优雅嗓音，共同构筑出如诗如梦的音乐诗篇。
喜欢上某个人或者某个乐队的音乐，很象是遇到一个投缘的人。人与音乐的缘分。那样一种音乐，尽管听不懂在唱些什么，又是怎样的音乐风格。然而却直直浸染到心里去。偶尔听到BLACKMORE'S NIGHT的时候，就是这样一种感觉。舒缓叙事的民谣风，纯净的音乐，感性、干净的女声。只是听了半首，就不可救药地爱上了她们！在聆听他们的音乐时，就如同在作欧洲音乐巡回之旅。 本栏还有图片的，谁知道公司电脑上不了，哎，，，， 本栏还有图片的，谁知道公司电脑上不了，哎，，，，
Born_free 发表于 2010-8-17 13:51 http://bbs.guitarsz.cn/images/common/back.gif
我公司电脑都上传唔到，哎，，，， 我以为是Guitarsz的访谈 回复 4# wwei0120
吉他深圳的访谈一直都在筹划，，，，会有的，哈哈 ，请继续关注 好长啊.看到头晕 回复 6# laomi
哈哈，，其实有图片会好很多，不过，，，，，没办法啦。。。。。:em15:
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